Entrevista a Robert Fripp en 1974: «La guitarra es un instrumento bastante débil»
La siguiente entrevista que les presentamos es un artículo salido de la revista Guitar Player, del mes de mayo de 1974. Para esa fecha, Robert Fripp se encontraba en plenas sesiones de finalización del disco Red, y tan solo a cuatro meses de anunciar que King Crimson dejaba de existir para siempre. En ella, además de los aspectos técnicos y filosóficos de su manera de aproximarse a la música, notamos el dificil momento que vivía el británico, su decepción con la banda y su manera de vivir la vida.
El articulo
Robert Fripp, el guitarrista principal del grupo de rock inglés King Crimson, es una personalidad conspicua al aparecer de manera discreta. En lugar de estar de pie cuando actúa, se encarama en un taburete, y al hacerlo ha llegado a ser etiquetado como «el guitarrista que se sienta en el escenario». El músico de 27 años ha trabajado en grupos desde los catorce, pero habría abandonado la guitarra a los 18 años para vender casas con su padre de no haber sido por una llamada telefónica de un hotel cerca de su casa en Bournemouth que le ofrecía dar shows por $25 a la semana. Cuando estaba cerca de cumplir los 21, decidió: «que convertirme en músico profesional me permitiría hacer todas las cosas en mi vida que quería«. Fripp luego formó una banda que, según su descripción, era tan mala que tuvo que cancelar las fechas para evitar que personas conocidas fueran a verlo. También tocó para cantantes solistas y tocó beguines (piezas religiosas del siglo 19) en restaurantes italianos, y pasó un mes «audicionando» para un grupo, que hasta el día de hoy no le ha informado si fue aceptado o no. En 1969 formó King Crimson con Greg Lake (ahora bajista de Emerson, Lake y Palmer).
¿Por qué te sientas en el escenario?
Porque no puedo tocar la guitarra de pie. Al menos yo no puedo. En las bandas semiprofesionales en las que toqué, me levantaba incómodamente. Con King Crimson hice unos tres o cuatro conciertos de pie, y dije, «Esto es inútil, simplemente no puedo tocar de esta manera». Greg Lake me dijo: «No puedes sentarte; parecerás un hongo». Sentí que no era mi trabajo estar de pie y estar enojado por ello. Mi trabajo era tocar, y no podía tocar de pie. Para mi es difícil tocar sobre un escenario, y detesto grabar. Supongo que tocar en vivo es lo que más disfruto hacer. Digámoslo de otra manera: es una de las cosas que menos me desagrada.
¿Crees que la gente te ve apático por sentarte?
Me importa un bledo. Lo perverso es que, desde el punto de vista de la presentación en el escenario, supongo que me ha dado una especie de imagen que de otra manera no habría tenido porque nadie más lo hace. Y eso vuelve a cierta cosa en la que siempre he creído, que es: sé tú mismo.
¿Cuándo empezaste a tocar la guitarra?
Cuando tenía once años. La guitarra era una Manguin Frere acústica. Era virtualmente imposible presionar una nota por encima del quinto traste. Esto paralizó mi forma de tocar la guitarra pero desarrolló una musculatura que me llevó muchos años controlar por completo.
¿Cuándo conseguiste tu primera guitarra eléctrica?
Cuando tenía unos catorce años, compré una Hofner President que tenía dos pastillas y compré un amplificador que tenía un altavoz de ocho pulgadas y seis vatios. Esa fue mi primera experiencia con una guitarra eléctrica.
¿Recibiste alguna vez entrenamiento o teoría de guitarra?
Después de tocar por mi cuenta durante unos tres meses, fui a clases de guitarra y lecciones de teoría musical con un profesor de piano que, de hecho, no podía tocar la guitarra. Pero me dio algo de conocimiento, especialmente en teoría musical. Después de un año más o menos, tomé clases con Don Strike, que era un muy buen guitarrista al estilo de los años treinta. En cierto momento, compré una buena guitarra flamenca estándar y decidí aprender a tocar con los dedos. Un poco más tarde, tuve diez lecciones con un guitarrista de jazz. Sin embargo, no me considero un guitarrista de jazz, un guitarrista clásico o un guitarrista de rock. No me siento capaz de tocar en ninguno de esos estilos, por lo que sentí necesario crear, si quieres, mi propio estilo.
¿Qué guitarristas escuchas?
Nunca he escuchado realmente a guitarristas, porque nunca me han interesado realmente. De hecho, creo que la guitarra es un instrumento bastante débil. Prácticamente nada me interesa sobre la guitarra. Cuando tenía unos diez u once años, comencé a escuchar rock and roll. Las primeras cosas que realmente me emocionaron fueron los primeros discos de Sun con Scotty Moore. Cuando tenía trece años, me interesé por el jazz tradicional, y cuando tenía quince años, me interesé por la música moderna y docta. Justo antes de convertirme en profesional, escuché a Hendrix y Clapton, y en ello había una o dos cosas de Hendrix que me gustaban. No tanto las cosas rockeras, sino las más lentas. No he sido influenciado por Hendrix y Clapton de la manera en que la mayoría de las personas dirían. No creo que Hendrix fuera solo un guitarrista. Incluso dudo mucho que estuviera interesado en tocar la guitarra como tal. Simplemente era una persona que tenía algo que decir y lo decía. Clapton, creo que en su mayoría es bastante banal, aunque hizo algunas cosas emocionantes al principio de su vida con Mayall. El álbum de Mayall con los Bluesbreakers es magnífico. Allí Clapton toca increíble. Aunque vi a Cream en vivo una vez y sentí que eran bastante terribles. El trabajo de Clapton desde entonces, creo, ha sido excesivamente tedioso. El estilo de tocar la guitarra de Jeff Beck puedo apreciarlo como una diversión divertida. Es donde el guitarrista y el «posero-ego-estrella de rock-entretenedor» se involucran en el mismo paquete. No estoy menospreciando eso, es divertido, es bastante agradable, muy emocionante, le deseo todo lo mejor.
¿Qué tipo de guitarra comenzaste a usar con King Crimson?
La Les Paul que compré en 1968. Hasta ese momento, usaba una Gibson Stereo que sigue siendo una de las mejores guitarras que he tocado, aunque no la uso mucho porque no es lo suficientemente resistente. Empecé a usar la Les Paul porque prácticamente todo el mundo me había dicho que era una buena guitarra. Era lo que estaba de moda en ese momento, y pensé, «Está bien, lo probaré». Su número de serie es 53, una de las primeras de los años cincuenta. La Stereo es de alrededor de 1963. Tengo dos Stratocasters, de alrededor de 1963 y 1966. Tengo una acústica J-45, y una de las Yamaha acústicas más caras. También tengo una guitarra acústica Milner de pre guerra y una guitarra tenor Gibson, también de pre guerra. No me gustó Fender durante mucho tiempo, pero compré un par hace dos o tres años para adentrarme en ellas, y en parte como inversión. Empecé a trabajar con la Stratocaster este año. Me gustó. Es una guitarra de acordes mucho mejor que la Les Paul, aunque creo que la Les Paul probablemente es mejor para tocar cosas de una sola cuerda.
¿Qué tipos de púas y cuerdas usas?
Uso púas triangulares de concha de tortuga que no son muy duras. Dado que mi trabajo con la púa es especialmente importante, es imposible usar esas cosas de plástico muy pesado. Las cuerdas que uso son de calibre ligero de John Alvie Turner con un segundo calibre medio para el tercero. No son lo que la mayoría de los guitarristas considerarían ligero, pero dado que la mayoría de las cuerdas muy ligeras no están templadas para operar en los tonos a los que están afinadas, y dado que estoy interesado en tocar acordes que involucren terceras o décimas, encuentro ese templado muy difícil de aceptar. La acción es lo que en los viejos tiempos llamarían «bastante baja», lo que en la actualidad se denominaría «medio-alta». Cambio las cuerdas generalmente después de dos conciertos. Solía dejarlas una semana, pero descubrí que eso desgasta un poco las cosas. Para trabajar con King Crimson o en el estudio donde esa chispa adicional ciertamente ayuda, las cambio cada dos días.
¿Hay una gran diferencia entre tocar guitarra acústica y eléctrica?
Sí, es un instrumento completamente diferente, porque se trata de una relación temporal completamente diferente. La guitarra eléctrica es el instrumento de hoy y al desarrollarse eléctricamente puede ser llevado al futuro. No veo que eso suceda con la guitarra acústica de ninguna manera. La técnica de tocarlas es completamente diferente. Si uno está tocando una guitarra acústica, lo principal es la producción de tono. De hecho, la técnica de la mayoría de los guitarristas de rock tocando guitarra acústica es extremadamente pobre. Es realmente un arte tocar la guitarra acústica. Hay algo tan encantador en escuchar en acústico un simple C7 en la posición de la cejuela tocado con un tono encantador. Mientras que, en una guitarra eléctrica, probablemente no funcionaría. La guitarra acústica tiene uno o dos aspectos interesantes, pero es un anacronismo. En ningún caso es una forma de expresión contemporánea. Como forma de expresión contemporánea, la guitarra eléctrica es la única esperanza para la guitarra en este momento como instrumento creativo.
¿Dónde sueles colocar tu interruptor de tono?
Depende de lo que la música demande. Trabajo con un pedal de volumen porque hay una cierta impedancia que se obtiene con el volumen de la guitarra al máximo, así que dejo el volumen de la guitarra al máximo, generalmente en 10, con la excepción de tener un sonido de guitarra acústica en la guitarra eléctrica que opera en una impedancia diferente. Lo mejor para eso es tener la pastilla entre 6 y 8. Más de 8 y medio, la impedancia cambia de alguna manera. Con esto hay un salto considerable en fuerza, así que usaré el volumen desde el pedal y no desde la guitarra.
¿Qué tipo de pedal de volumen es?
Es el más barato que encontré, y el único que pude pagar en ese momento y que parecía bueno. Creo que es un pedal Farfisa [de C.M.I.]. Todavía es el mejor pedal de volumen que he encontrado en cualquier lugar. Es el único que se apaga y aún tiene un amplio movimiento de recorrido. Es bastante increíble. En el escenario uso tres pedales en el pedalboard: un pedal de volumen, un fuzz-tone y un wah-wah. El fuzz-tone y el wah-wah son bastante malos. No estoy seguro de qué tipo de wah-wah es. El mejor fuzz-box para usar es un Burn’s Buzz-around que dejaron de fabricar en Inglaterra hace unos seis años. Tengo dos de ellos, pero en este momento no están conectados a mi pedalboard. Cuantos más pedales pases, más largos serán los cables que necesites, y a su vez menos volumen obtendrás. Pierdes ganancia en el camino. Para disminuir eso, el wah-wah y el fuzz están en el circuito de knock-off. En otras palabras, cuando estoy tocando, todo el tiempo estoy pasando por el volumen, pero cuando estoy usando el fuzz o el wah-wah, toco un pedal diferente que trae un circuito diferente para el fuzz y el wah-wah. Cuando no los estoy usando, presiono un botón y los saco del circuito para que el circuito se acorte, y mantengo mi ganancia. También uso una unidad de eco Watkins Kopy Kat. Está decente, pero no es particularmente bueno. Suficiente para lo que quiero, que no es realmente muchos efectos de eco, sino solo un ligero toque, porque el sonido en el escenario es muy apagado en muchas de las salas en las que toco. Realmente no importa qué tipo de fuzz box uses. Tiene más que ver con el estado mental.
Pero si alguien quisiera obtener el mismo sonido que tú, ¿no sería importante saber qué tipo de fuzz estás usando?
No. Puedo obtener ese mismo sonido con cualquier tipo de fuzz box que haya usado. No se trata de los equipos.
¿Por qué no has usado más el pedal de wah-wah además del álbum en vivo «Earthbound»?
Porque el pedal de wah-wah utilizado de manera normal me aburre inmensamente.
¿Sientes que tu música alguna vez ha sido víctima de todos los dispositivos?
Posiblemente. Quiero decir, tú me dirás. A veces, supongo que si uno está tocando algo que es particularmente banal musicalmente, entonces para hacerlo un poco más emocionante uno podría encender su wah-wah. ¿Es eso una forma de escape? Si lo es, entonces sí, uso dispositivos para encubrir la mala interpretación de vez en cuando.
¿Por qué te has quedado con un amplificador Hi-Watt?
Porque es un amplificador bastante versátil, ya que necesitaba un cambio de sonido, y no me gustan los amplificadores de válvulas para guitarra. Me han construido nuevos gabinetes con altavoces Electro-Voice, y estoy muy impresionado. Solía usar un Marshall. Estaba bien para mí en ese momento, pero sentí que el Hi-Watt era un poco más versátil. Creo que Marshall es probablemente mejor para, o al menos igual de bueno para, música ruidosa en vivo, pero no he encontrado a nadie usando Marshall desde hace algún tiempo. Todos parecen haber pasado a Hi-Watt.
¿Cómo conectas la guitarra y el amplificador?
Enchufo al canal bright con un cable puente del bright al normal. En otras palabras, envío las señales bright al normal, y luego subo eso (el canal normal) para igualar el bright. Añade graves. Hi-Watt tiene un control de volumen para los canales normales y bright, y un volumen principal para hacer el nivel general. Si quieres tener un sonido puro, subes tu master y bajas tus volúmenes individuales. Ahora encuentras ciertos cambios en el tono, la relación entre los dos. Uso el volumen principal bajo y los volúmenes individuales ambos arriba para obtener un sonido bastante denso incluso a un nivel muy bajo. También depende de la guitarra trabajando con su volumen de pastilla al máximo.
Noté en tu guitarra que has quitado todas las tapas de las pastillas.
Greg Lake sugirió que obtendría un mejor sonido. Todavía no sé si hace alguna diferencia, pero de todos modos las dejé afuera. Probablemente porque no quiero molestarme en volver a ponerlas.
¿Podrías describir tu técnica de púa?
Trabajo con la suposición de que tienes dos manos, así que ¿por qué no usar cada una de ellas? Creo que la mano de la púa es más importante que la izquierda. Soy zurdo, por cierto, toco la guitarra con la mano derecha. Pensé que la mayoría de las personas aprendían a tocar el instrumento de esta manera, así que aprendí a tocarlo así. Puse la guitarra al revés hace muchos años solo para tratar de averiguar cómo se sentía un principiante. Cuando tenía quince años comencé a desarrollar esta técnica con la púa donde la bola del pulgar estaba pivotada en el puente de modo que se picaba a través de las cuerdas con la bola del pulgar como un pivote. Pero como mi Fender realmente no tiene un puente, eso lo hace muy difícil. Así que en 1971, comencé un enfoque diferente para la mano derecha donde levanté la mano del puente y simplemente operaba en una especie de suspensión libre donde la mano se cierne sobre las cuerdas lo que hace que el picking cruzado sea mucho más fácil. Sin embargo, hizo mi performance muy difícil, y aún lo es porque lleva tres años adoptar y integrar completamente un cambio en tu forma de tocar. En cinco años, tendré un estilo de tocar mucho más fluido, ya que estoy más interesado en una técnica que tenga una base sólida para expandirse. Al mismo tiempo, aunque me di cuenta de que tocaba con el pulgar detrás del mástil de la guitarra, no estaba tan atrás como para permitirme crear una base mucho más sólida para tocar. Así que mi mano izquierda es muy similar, si quieres, a una posición de guitarra clásica, y mi mano derecha está operando en suspensión libre lo que exige un gran control.
¿Hay alguna escala de la que generalmente trabajes?
Como escala básica uso una escala mayor diatónica basada en el segundo o el modo dórico que me permite tocar en una escala mayor, tomando la nota raíz de la escala hacia abajo, o también como base para menor. También disfruto de las escalas de tono entero. Pero realmente no importa, todo depende de lo que estés tratando de crear. A veces, la mejor manera de evocar un cierto sentimiento es usar una melodía, y ciertamente hay pocas cosas tan satisfactorias como una melodía soberbia o un cambio de acorde agradable. Los encuentro completamente abrumadores: practicar todas las claves y escalas y familiarizarse con ellas, y luego cuando subes al escenario, olvidar completamente todo lo que has practicado y simplemente ser. No permito que una forma de practicar se interponga en la música.
Dado que gran parte del material de Crimson está estructurado, ¿tienes muchas oportunidades para solos o improvisaciones?
Varía de pieza a pieza. Algunas canciones, como «Schizoid Man«, están escritas para ser tocadas tal cual. La primera cosa que escribí para ser tocada de esa manera fue una cosa llamada «Erudite Eyes» en el álbum Giles, Giles and Fripp. «Schizoid Man» fue un desarrollo lógico a partir de eso. Lo que hacemos en vivo es tal vez simplemente decir, «Bill (Bruford), comienza a tocar, y te seguiremos.» Pero dado que esta banda ya no es muy sensible ni interesada en escuchar a todos tocando, la improvisación en Crimson en este momento es extremadamente limitada, y está más preocupada por los individuos mostrando sus habilidades que en desarrollar algún tipo de improvisación comunitaria.
¿Suelen los otros instrumentos centrarse en la guitarra como el instrumento principal?
Si escuchas los discos de King Crimson te das cuenta que la guitarra siempre ha sido una de las cosas más pequeñas que hace la banda. Una de las razones de eso es que siempre he estado más contento desarrollando a los otros músicos; desarrollándolos como intérpretes. Así que supongo que mi función ha sido más de un organizador general de la situación. Sin embargo, en este momento estoy más interesado en tocar la guitarra, y encuentro muy frustrante que no pueda hacer que los otros músicos de la banda se interesen tanto en mi forma de tocar, como yo en la de ellos.
¿Utilizas algún tipo de polvo o aceite en tus manos?
Utilizo talco en mis manos durante un concierto, pero muy poco; mis manos no sudan mucho. Es en parte para relajarme. Para tocar, uno debe aprender a relajarse. Hasta que uno no haya trabajado en una relación entre la cabeza y las manos, uno podría dejar la guitarra en casa. Otra cosa de la que creo que la mayoría de los músicos se beneficiarían es simplemente tocar una cuerda durante una hora o dos y simplemente escucharla antes de preocuparse por tocar una segunda nota.
¿Cómo creas esas líneas tan rápidas en medio de «21st Century Schizoid Man»?
Todo se hace con la púa hacia abajo y arriba. La base de la técnica de púa es tocar hacia abajo en el tempo fuerte y hacia arriba en el tempo débil. Luego uno debe aprender a invertir eso. Generalmente uso un toque hacia abajo en el tempo fuerte, excepto cuando quiero acentuar una frase de cierta manera o crear cierto tipo de tensión al confundir los acentos, en cuyo caso podría comenzar una línea en el tempo débil. También uso la técnica antigua de la mandolina: siempre que se cambia de cuerda, se utiliza un toque hacia abajo. Por ejemplo, si uno tuviera cuatro notas, y si uno estuviera trabajando en semicorcheas, la técnica que acabo de recomendar sería abajo/arriba, abajo/arriba donde se cambia de cuerda o se permanece en la misma. En otras palabras, se cambiaría de una cuerda a otra, pero en el cambio se podría usar un toque hacia arriba, aunque pueda ser fuera del tempo. Para ciertas frases no uso la púa. Se aprovecha el hecho de que en la guitarra acústica se puede hacer mucho solo con la mano izquierda. Muchas de las frases y la percusividad que me gusta no se pueden lograr sin púa. Se trata de desarrollar habilidad técnica para que en cualquier momento se pueda hacer lo que se desee. Lo que la música exige, uno debe seguirlo, y no permitir que su habilidad técnica sea un obstáculo. Utiliza la habilidad técnica para desarrollar una facilidad musical de expresión. Entonces, ¿cómo hago líneas tan rápidas?, practico mucho.
¿Con qué frecuencia y cuánto tiempo practicas?
Cuando me hice guitarrista profesional por primera vez y estaba desempleado, lo máximo que hice fueron doce horas al día durante tres días seguidos. Cuando vine a América en 1969, solía practicar seis u ocho horas al día. La práctica diaria, y no solo pasar tus ejercicios, sino hacer ejercicios adecuados, es lo más importante. Si tus lectores quieren tocar su instrumento, entonces necesitan seguir un sistema de entrenamiento durante un período de tiempo, y practicar todos los días. Nada valioso se logra inmediatamente, aunque parezca así. Uno practica y pasa por situaciones y parece que no hay mejora. Pero un día, surgirá una cierta situación en la que uno tendrá que hacer algo como músico o como persona. Y entonces descubrirás que eres capaz de enfrentar esa situación. Entonces sabes que todo el trabajo duro y el entrenamiento de años no han sido, de hecho, inútiles. Nada se desperdicia, de hecho. Todo depende de lo que uno quiera.
Sugiero que tocar la guitarra, en cierto sentido, puede ser una forma de unir el cuerpo con la personalidad, con el alma y el espíritu. Trabajar en una banda es una buena manera de hacer magia. Ves, no me considero músico. Nuevamente, como dije, creo que la guitarra es un instrumento bastante débil. Uno usa las herramientas que tiene a mano y hace lo que puede. Lo que afecta mi forma de tocar más que cualquier otra cosa es mi estado mental. Quiero decir, obviamente, hay cosas físicas involucradas, como si uno no ha practicado durante una semana, los músculos no funcionarán. Por eso he estado más interesado en ser músico que en ser guitarrista. Siendo músico uno crea música; siendo guitarrista uno toca la guitarra, lo que no significa que la música esté involucrada en ello. Pero he aprendido el oficio de ser guitarrista hasta cierto estándar. La mejor guitarra que he tocado está en un álbum que grabé para Atlantic con Brian Eno, quien estaba en Roxy Music en Inglaterra. Se llama «No Pussyfooting«, y es lo más expresivo que he hecho. Es todo guitarra, pero «The Heavenly Music Corporation» está grabada de manera que hay una acumulación de guitarras, así que aunque solo haya dos guitarras tocando, debido a la forma en que está grabada, en un lugar suena como cincuenta guitarras.
¿Nunca piensas que eres un músico?
Ocasionalmente, cuando la fuerza energiza a la forma. Cuando tenía 21 años me di cuenta de que nunca había escuchado realmente música ni había estado interesado en ella en particular. Comencé a interesarme por ella, en oposición a ser un guitarrista que trabajaba en ciertas situaciones. He llegado al punto en el que veo la música como algo diferente a lo que la mayoría de la gente ve. Diría que la clave de mi vida es la creación de armonía, y la música la tomo como uno de los componentes de esa armonía.
